Meio western e introspectivo, "Comeback" é marcado como o último filme de Nelson Xavier

Cena cuja feição sombria traduz a melancolia do protagonista.

“Comeback” é um filme de difícil conceituação. De início parece um western, depois se transforma num drama introspectivo e melancólico. Mas a sua principal característica é ter sido o derradeiro filme de Nelson Xavier, falecido a pouco menos de um mês, aos 75 anos de idade. Ator, roteirista e inspirador de vários títulos do cinema novo, ele representou uma das mais importantes figuras da história da dramaturgia brasileira. Este filme deu a Xavier o prêmio de melhor ator no Festival do Rio 2016. 

Nelson Xavier começou sua carreira no Teatro. No cinema e na TV atuou em 96 títulos, sendo, portanto um personagem presente em diversos gêneros nacionais, desde os teleteatros da TV Tupi nos anos de 1950, passando pelo cinema novo, na década de1960, por uma série de novelas na TV Globo a partir de 1970 e uma grande variedade de filmes depois disso. Alguns se mostraram especialmente marcados pela sua atuação, como por exemplo “Rainha Diaba”, “Dona Flor e seus Dois Maridos”, “Lampião e Maria Bonita”, “Narradores da Javé” e, especialmente, “Xico Xavier”, de quem não era parente, mas com quem tinha uma forte identificação religiosa. 

“Comeback” é o retrato de Amador, um pistoleiro e matador aposentado. A historia de fato se passa no centro oeste, numa localidade onde mora o roteirista e diretor do filme, o goiano Erico Rassi. Falo de Anápolis, uma cidade cuja periferia parece ter sido moldada para um filme de faroeste. Amplos espaços e um clima de desolação e abandono. De fala mansa e modulada por um português corretíssimo, o filme e seu protagonista foram premiados no FESTin – Festival de Cinema Itinerante de língua Portuguesa que aconteceu em março na cidade de Lisboa. 

O velho pistoleiro Amador é o último personagem de Nelson Xavier

O velho pistoleiro é solitário e amargurado, sempre se lembrando de um passado que ele considerava heroico. Tanto assim que, todas as noites, ele abria um velho álbum no qual coleciona recortes de jornal, documentando os seus antigos crimes. Sentia-se humilhado em contato com os antigos colegas de bandidagem. Até que uma dupla de cineastas meio amadores resolve procura-lo para auxiliar na feitura de um filme sobre os veteranos bandoleiros da cidade. Nesse ponto, sua memória é despertada e ele decide voltar á ativa. Ou seja, vai reagir com violência à hostilidade do mundo que o cerca. 

O filme é quase uma obra minimalista, com falas curtas, pontuando diálogos econômicos e sintéticos. Trata-se do primeiro longa de ficção do diretor goiano Erico Rassi, e que deixa claro um possível futuro de filmes expressivos. Com uma boa dose de ironia e um humor cortante, o roteiro utiliza situações inesperadas para abordar a angústia da solidão, da melancolia da velhice e do autoritarismo que voltam a incomodar o personagem central. Certamente ele não seria incluído em um filme de Clint Eastwood, daqueles cujo tema é um heroísmo tardio. Mas certamente é uma referencia ao gênero western que teima em não desaparecer.

"Rei Arthur", um filme acima da média, readapta a milenar história do herói bretão

Djimon Hounsou (esquerda) e Charlie Hunnam (direita) em cena do longa

O blockbuster de ocasião, ou seja, o filme mais comentado na mídia agora é “Rei Arthur: a Lenda da Espada”. Fato é que se trata de uma história extremamente antiga, há muitos séculos difundida, e que quase todo o mundo conhece. Ou, no mínimo, sobre a qual já ouviu falar alguma coisa. Livros infantis, revistas em quadrinhos filmes de cinema ou animações, adaptações curtas e mais alongadas, musicais de palco. Enfim todos nós temos alguma ideia do que seja essa aventura e o herói que a interpreta. Portanto, o grande problema do diretor e roteirista Guy Ritchie foi criar uma obra inédita sobre o tema. 

 

O filme é de fato muito elaborado em termos de texto e linguagem audiovisual. Por isso vamos tentar agora uma espécie de aquecimento, de análise prévia sobre o que acabamos de ver sobre esse espetáculo marcado para estrear agora no dia 18. 

É claro que o tema da magia precisava ocupar o primeiro plano do roteiro. Até porque a série de romances sobre ele e Camelot, chamado “As Brunas de Avalon”, é uma produção essencial e que já ocupou o espaço nas livrarias que já foi da saga Harry Potter. Mas não cabia incluir a figura barbuda do Mago Merlin, porque a total maioria dos personagens é do gênero masculino. Quase não há mulheres em cena. Então Guy Ritchie preferiu escalar uma Maga, que é o papel da diáfana espanhola, aqui muito boa no papel, Astrid Berges-Frisbey. 

Cena da espada fincada na pedra: um dos pontos altos do filme

A maioria acredita que a história se passa na Idade Média europeia. OK. mas aquele prolongado período durou cerca de mil anos e teve várias fases. A partir das indicações fornecidas na tela pela arquitetura, armas e vestuário do filme, parece que tudo se passa no centro da idade Média, com armaduras reluzentes, espadas de aço e armas de fogo. Mas as referências históricas da narrativa que, se acham misturadas com lendas e ficção, a colocam no final do século 5º, ainda no fim do Império Romano. Isso, quando os Bretões enfrentavam as tribos de saxões. Mas o diretor prefere contar com os vikings, talvez porque para ele eram mais interessantes do ponto de vista visual. 

O filme, porém, está acima da média das aventuras épicas e a cena da espada na pedra é uma das melhores.  No entanto, os problemas mais graves estão no texto, que chama a Inglaterra de “Nação” – que na verdade só apareceu como tal no meio da Idade Média, após a invasão dos normandos no século XI. No filme é todo exagerado em termos de volume e tamanho. Os exércitos e os castelos são superdimensionados. A cidade de Londinium, que era o primeiro nome de Londres, aparece como uma metrópole majestosa, mas era apenas uma vila romana cercada por muralhas, apenas o povoado mais populoso da Bretanha. 

Charlie Hunnam vive Rei Arthur

O problema do anacronismo, aliás, se manifesta algumas vezes ao longo do filme. Que, aliás conta com no mínimo dois atores que já conhecemos da série “The Game of Thrones”. Por exemplo, o tio de Arthur interpretado, por Jude Law, cumprimenta os seus guerreiros com uma saudação igual à dos nazistas. E a própria formação do herói se parece com a de Jesus Cristo, com a sua peregrinação a sós pelo deserto. Além disso, do ponto de vista físico, o ator inglês Charlie Hunnam se parece com um halterofilista ou guerreiro ninja.

"A Grande Ilusão", de S. Zaillin, é um filme muito temático para os dias correntes

Sean Penn e Mark Ruffalo integram o seleto elenco do longa

Talvez o filme mais sugestivo deste momento date de 2006 – tem pelo menos mais de 10 anos – e até hoje ainda não foi lançado nos cinemas. Trata-se de “A Grande Ilusão”. Pode parecer mentira, mas esse foi um dos mais importantes filmes americanos produzidos em 2006 nos EUA e, no entanto, só foi lançado no Brasil em DVD. 

O título original deste filme escrito e dirigido por Steven Zaillin é “All the King's Men” e conta com um elenco arrasador, em que o protagonista é Sean Penn. Mas veja só o nível dos coadjuvantes: Kate Winslet, Jude Law, James Gandolfini, Mark Ruffalo e Anthony Hopkins... e trazendo como atração adicional a elegância de Patricia Clarkson – que, além de atriz, é uma das melhores narradoras de documentários para TV, como "For the Love of Movie: The Story of the American Film Criticism".
A proposta é contar a história de Huey Long, um político real que tinha o apelido The King Fish (ou seja, Tubarão) por causa da ferocidade no palanque. Seus discursos eram incomparáveis e nos debates ninguém o derrotava.

Sean Penn está impecável neste seu papel de Huey Long

Na verdade, o mais importante era o conteúdo sedutor das suas propostas, geralmente inflamadas pelo uísque. Vejam, ele simplesmente prometia a abolição da desigualdade social. Nada menos do que a repartição geral da riqueza nos EUA. Pra completar, ele combinava um estilo populista, mas, ao mesmo tempo comandava a corrupção no Estado da Louisiana. 

“A Grande Ilusão” é a refilmagem de um clássico de Robert Rossen que ganhou três Oscars em 1949: melhor filme, melhor atriz coadjuvante e melhor ator, para Broderick Crawford. Aliás, esses dois títulos se acham disponíveis em DVD no mercado brasileiro. 

Ambos os filmes se baseiam num livro de Robert Penn Warren (1905 – 1989) premiado com o Pullitzer e considerado um dos mais importantes romances americanos: a biografia disfarçada de um populista dos anos de 1930, o qual certamente chegaria à presidência se os escândalos da sua administração não fossem revelados. 

"All the King's Men" de 1949: vencedor do Oscar de Melhor Filme

Seu governo foi uma mistura de obras públicas gigantescas, feitas sem licitação e superfaturadas, com a sistemática compra de votos da oposição. O curioso é que, no começo da carreira política, ele era um trabalhador que ganhou notoriedade denunciando a corrupção das elites e, mais tarde, depois de apanhado com a mão na massa, alegou que não sabia de nada e jogou a culpa em alguns assessores. Sean Penn de 2006 está mais exuberante e, mesmo assim, mais natural que Broderick Crawford em 1949 no papel do protagonista, que morreu em 1935. Interpretando o marqueteiro do Tubarão, Jude Law realiza um dos melhores trabalhos de sua carreira.

Marcelo Gomes dirige o drama histórico "Joaquim", sobre a vida de Tiradentes

Filme se passa na Vila Rica antes dos tempos de luxo

Se não for o filme comercialmente mais atrativo, “Joaquim” é sem dúvida o título mais curioso desta temporada. Primeiro por ter como base uma narrativa biográfica do alferes Joaquim José da Silva Xavier. Aquele que em seu tempo foi conhecido como o Tiradentes.

Em seu nono trabalho, o diretor é o consagrado Marcelo Gomes, autor do premiado “Cinema, Aspirina e Urubus”, de 2005. Junto com “O Baile Perfumado”, feito em 1997 por Paulo Caldas e Lírio Ferreira, são títulos que marcaram o início do ciclo ascendente dos cineastas pernambucanos. Esses que se colocam agora na linha de frente do cinema brasileiro, com obras como “Aquarius”, de Kleber Mendonça.

No papel do Mártir da Independência, temos Júlio Machado, que se tornou conhecido na TV pelo papel do jagunço Clemente, na novela “O Velho Chico”. Uma figura mais próxima de vilão do que de um herói. Um rosto marcante, mas de olhar feroz e macabro. O cabelo e a barba aparados à faca ampliam a aparência assustadora daquele militar mineiro, líder da Inconfidência. Não se trata de uma biografia detalhada, porque o roteiro se concentra no período em que ele era um policial, ocupado, em perseguir os contrabandistas das minas de ouro.

Júlio Machado vive um Tiradentes de aparência longe de idealizações

Alguns professores veteranos de história, talvez se escandalizem com o inesperado tratamento atribuído pelo diretor Marcelo Gomes à aparência e ao comportamento do Tiradentes. Especialmente à maneira brutal com que ele arrancava os dentes de quem o contratava para esse serviço. Mas também à sua ambição e a agressividade, que contrasta com aquela figura semelhante à de cristo, divulgada na maioria dos livros didáticos.

E, também, muito diferente daquele clássico do cinema novo, “Os Inconfidentes”, feito em 1972 por Joaquim Pedro de Andrade, assim como dos elegíacos poemas de Tomas Antonio Gonzaga e Cecilia Meireles. Os monumentos arquitetônicos do barroco, por sua vez, não aparecem nesta modesta reconstituição anterior ao luxo de Vila Rica.

Os atores Júlio Machado e Isábel Zuaa, o diretor Marcelo Gomes e o ator Welket Bungué

Façamos uma comparação com o atual “Sully – o Herói do Rio Hudson”, em que um piloto salvou centenas de passageiros, pousando o avião nas águas do rio. Ele atribuiu o sucesso daquela proeza ao conjunto de participantes de sua equipe. Por outro lado, no começo do filme Joaquim repete esta frase... “Aqui quem vos fala é um decatipado... Outros homens também conspiraram conta a coroa portuguesa, mas apenas eu perdi a cabeça”

"Passageiro: Profissão Repórter" é filme imperdível em mostra sobre Antonioni

Jack Nicholson e Maria Schneider fazem parte do filme.

Estamos dando continuidade à analise do filme “Passageiro: Profissão Repórter”, obra prima que Michelangelo Antonioni lançou em 1975. O filme se destaca entre aqueles que formam a Retrospectiva do cineasta Michelangelo Antonioni, que se estende até 22 de maio e acontece no CCBB de São Paulo e, posteriormente, no CineSesc. O texto do comentário se baseia originalmente num artigo publicado pelo crítico, na época em que o filme foi lançado em São Paulo.

No roteiro do queniano Mark Peploe, o protagonista é Jack Nicholson, no papel de um repórter a serviço da TV britânica. Ele está no deserto do Chade procurando dar início a uma reportagem em que pesquisa a ação dos guerrilheiros locais. Mas o repórter não consegue se comunicar com esses dado o fato de suas línguas não serem a mesma. Numa cena posterior, o repórter caminha sozinho e desanimado. E tenta contato com um garoto, que permanece impassível. O diretor não cede à nossa curiosidade, até porque a proposta de Antonioni é, como sempre, questionar a comunicação entre as pessoas.

Numa representação física do drama vivido pelo personagem central, o Land Rover com o que ele se locomove atola na areia do deserto. Ele volta ao hotel e descobre que o seu vizinho de quart, acabava de morrer de enfarte. Decide então trocar de personalidade com o morto, sem ao menos saber qual seria a sua atividade profissional. Nesse ponto, Antonione fabrica uma das suas mais intrincadas soluções narrativas.

Michelangelo Antonioni e Maria Schneider em set de gravação

Enquanto Nicholson falsifica o passaporte do morto, ouve-se uma conversa entre ele e o falecido. Ele olha para um canto e, sem corte, a tela nos mostra o bate papo entre os dois. E essa conversa termina quando Nicholson desliga um gravador. Não era portanto um flash back, mas um replay.


Com a nova personalidade, o repórter vive um período de paz, antes que tudo volte a se complicar. A última cena procura exprimir o sentido global do filme. Ou seja, a ideia é de que tudo sempre recomeça. Segundo Antonioni, embora ainda não sendo conclusivo, esse plano-sequencia é essencial, e, inclusive levou 11 dias para ser filmado. Portanto não perca “Passageiro: Profissão Repórter”, de Michelangelo Antonioni

Mostra sobre Antonioni exibe grandes clássicos. Dentre eles, "Passageiro: Profissão Repórter"

Cena do longa "Profissão Repórter", com Jack Nicholson

Entre os dias 26 de abril e 22 de maio acontece no CCBB de São Paulo uma Retrospectiva – talvez a mais completa exibida até hoje – do mestre Michelangelo Antonioni, que morreu em 2007 aos 95 anos. A partir do dia 11 de maio essa mostra será replicada no Cinesc até o dia 17, sempre com cópias digitais ou em película 35 mm. Poderemos ver tudo o que ele criou: desde os curtas iniciais até as obras primas da maturidade.

Trailer de "O Eclipse", memorável filme em cartaz no CCBB:

Ao lado dos títulos mais conhecidos, como “Blow Up” e a chamada “Trilogia da Incomunicabilidade”, se destaca “Passageiro Profissão Repórter”, estrelado por Jack Nicholson. O destaque vem de seu caráter inovador ou, melhor, revolucionário em termos de linguagem. Em duas salas de cinema, o filme estreou em São Paulo em abril de 1976, portanto há 41 anos. Eu, Luciano Ramos, escrevi a crítica para o Jornal da Tarde, e seleciono trechos que reproduzo agora.

Considerava o filme como “uma realização tão desconcertante quanto deve ter sido o primeiro contra-plano, ou a primeira fusão de imagens da história do cinema". Trata-se de um plano-sequencia com sete minutos de duração, em que a câmara passeia pelo interior de um quarto de hotel, voa para gora, ultrapassando as grades da janela, circula pela praça em frente e enquadra o ponto de partida.

Continuando os trechos selecionados de minha crítica de 1976, afirmo que "os fatos cruciais do enredo acontecem dentro daqueles minutos, mas sempre fora do nosso campo de visão. Com isso, o que não aparece na imagem torna-se estranhamente vivo. Essa dinamização da área exterior à tela amplia o peso dos limites da percepção visual, bem como o desequilíbrio entre o aparente e o transparente captados pela câmara. (...) Os cortes de tempo mantem-se imprevisíveis, forçando ao máximo a atenção e se negando a satisfazer qualquer expectativa da plateia."

Trailer de "Passageiro: Profissão Repórter"

Ou seja, a objetiva nunca se compromete com o desejo da plateia e nem com o ritmo da história. Às vezes se demora sobre um detalha da paisagem, antes de enfocar os atores. Ou permanece no ambiente, mesmo depois dos intérpretes terem se retirado. Assim, o cineasta rompe com os esquemas consagrados de narração e não compactua com os condicionamentos cinematográficos costumeiros do público. Torna-se o senhor absoluto do espetáculo e obriga o espectador a preocupar-se com o que está acontecendo fora da tela. Não apenas com a ação do repórter, mas com o tema que ele pretende noticiar.

Em breve continuaremos a análise de “Passageiro: Profissão Repórter”, obra prima que Michelangelo Antonioni lançou em 1975 e que se destaca entre aquelas que formam a Retrospectiva do cineasta lendário, a ser mostrada até 22 de maio e acontece no CCBB de São Paulo e, em seguida, no Cinesesc.

Jim Jarmush se reinventa, como de costume, em seu "Paterson"

Adam Driver e Golshifteh Farahani em cena como namorados

As pessoas que vão assistir “Paterson”, do celebrado Jim Jarmush, assumem posturas diferentes em relação ao filme. Boa parte se mostra ainda marcada pela lembrança do icônico “Daunbailó”, que ele fez aos 33 anos e o colocou criador num patamar de prestígio geralmente só atingido por veteranos. Desde aquele trabalho de 1986, esse cineasta tem lançado filmes no mínimo inusitados e surpreendentes. Como se ele se encontrasse constantemente em fuga da repetição.

De fato, ele sempre faz um filme diferente do outro. Basta observar obras tão diferenciadas, como “Flores Partidas” de 2005 e “Amantes Eternos” de 2013. E “Paterson”, por sua vez vem sendo amplamente considerado como “um filme poético”. De fato algumas coisas estranhas se manifestam no roteiro. Em primeiro lugar a misteriosa coincidência: Paterson é o nome da cidadezinha real do estado de Nova Jersey onde acontece a história, e é também o nome do protagonista.

O personagem se dedica a duas atividades aparentemente antagônicas: ele trabalha como motorista de ônibus e também é poeta. Repete o mesmo trajeto todos os dias e sua rotina é feita de gestos que se reiteram, dia após dia: toma o café com a esposa, passeia com o cão, bebe uma cerveja no bar, escreve versos na hora do almoço e assim por diante. O personagem é interpretado por Adam Driver – um dos que fez o papel de padre no filme “Silêncio”, de Martin Scorcese. Por outro lado, a talentosíssima Golshifteh Farahani, que interpreta a esposa dele é uma celebridade no cinema iraniano e europeu.

O protagonista Paterson (Adam Driver), que tem mesmo nome de sua cidade

Acontece que, igualmente, no sentido estrito e preciso desse adjetivo, a designação de poético se mostra adequada porque, acima de tudo, a própria estrutura do roteiro é construída em função dessa qualidade. Além da musicalidade dos diálogos, ao assistir o filme, poderemos notar que as suas partes se intercalam e se repetem mais ou menos como as estrofes e as rimas de uma poesia. Foi estudando a composição “O Corvo” de Edgar Alan Poe, com aquele pássaro que repetia“Nunca Mais, Nunca mais”, que o linguista Roman Jacobson definiu o conceito de função poética da linguagem.